传统戏曲服装的艺术内涵主要有哪些
发布网友
发布时间：2022-05-06 05:42
共2个回答
热心网友
时间：2022-06-28 19:48
中国传统戏剧服装俗称"行头"。从属于中国传统戏剧表演艺术的戏剧服装，属于"写意艺术体系"，是一种由生活化服装加工提炼而成的艺术化服装，在某种程度上类似于历史生活服装又并非历史生活服装，而妙在似与不似之间的意象化服装。传统戏剧服装凭借和依赖物态化了的服装美学意蕴，与传统戏剧表演的程式性、虚拟性和假定性相匹配，以"为人物的传神抒情"服务为最高的美学追求目标。具有程式之美、律动之美、装饰之美和符号之美的意蕴。
表现形式
服装作为戏剧中审美客体最直观的外在形式，通过现实主义、浪漫主义、象征主义三种主要表现形式，强化了自身在戏剧综合因素中的主动性，使之更好地服务于戏剧中人物形象的塑造和个性的表达。
追溯戏剧的起源--公元前5世纪，古希腊人在狂欢的酒神祭典上，把自己装扮成理想中的诸神，尽情舞蹈，带着昂然自得的欢喜欲狂，大步行走、跳跃、歌唱，以此表现一种"使动物说话，使大地流出牛乳和蜂蜜"的超自然力量。作为与人最贴身的服饰，与舞者的仪态、动作、表情一起，展示舞者纵情狂欢的喜悦灵魂。在这最原始的戏剧形态中，戏剧服装的表现功能就有了最初的体现:再现古希腊人理想中神的形象。戏剧源于生活，又高于生活。因而戏剧服装自然不同于生活服装，它更典型地塑造、表现了人物形象。戏剧服装还是综合艺术的一个组成部分，它与台词、动作、布景、灯光、音乐等因素共同构成了戏剧的整体系统。由于这种戏剧结构的综合性，决定了戏剧服装本身是一种多方位的投射因素，一种能激发创意、加强表现力的形式语言。
随着戏剧的不断发展和戏剧体系的不断完善与规范，戏剧服装的表现力也愈发突出。在戏剧中，服装作为审美客体最直观的外化形式，从序幕至终场，始终提供着剧中潜在的背景与情感信息，引导观众进入某种特定的情境。在此过程中，根据剧情要求及塑造角色类型的需要，可以确立戏剧服装以下几种主要的表现形式。
现实主义
现实主义就是符合历史的真实性。服装设计师参考当时的历史背景及可能的图片资料、文献记录、人文风俗和各个服饰配件的涵义，力求以服装的真实性来再现生活。在严谨的历史剧中，现实主义是服装设计师必然和必要采取的表现形式之一;现代题材的戏剧中，现实主义同样被重视，它的意义随着戏剧艺术的发展已超出了"复制历史"的单一再现功能而成为加强和促进观念阐释的有效手段。例如1996年12月北京电影学院的一个现代舞剧《100个动词:舞蹈在进行》，主题是回归自然。全剧用身体语言表现平实的细节:洗衣、做饭、洗澡，舞者以最现实的生活装出现在剧中，通过舞蹈将生活中的肢体语言戏剧化。剧中"洗澡"一幕被表现为一个身着丝质柔软花裤和低领睡衣的女人坐在盆中，舀水从头顶浇至全身，然后在盆中开始一段与水和盆有关的舞蹈。演出时，观众声、喊叫声、水声、喘息声和舞蹈者的生活装等最平实、最不加工的基本效果，将剧场美学升华、壮美，将距离等经验划破，把观众拉近。在这里，舞台与生活、服装与身体、身体与生活成了同位结合，最现实的生活装束给了舞者一个最本色的装饰，达到和深化了"回归人的本位"的主题。正如剧中人文慧所说:"只要将人的性格活出来，便是最好看的舞蹈 ，没有什么比活回自己更自然更有力量。"那么，可以这样认为:在这部舞剧中，没有什么服装比生活装更确切、更能表现主题。
浪漫主义
"浪漫主义"一词最初出现于文学之中，艺术上浪漫主义抛弃了古希腊罗马典范，宣告了人和个性先于一切的地位，它以强烈的感觉、*和想象回应了冷酷的理性王国。戏剧服装中"浪漫主义"则是给予服装更广阔、自由的想象空间，使其与剧中形象共生，得以某种风格化。这种表现形式在《奥瑟罗》、《第七封印》、《屈原》(如"山鬼"的形象)中均有出现，意大利剧作家普契尼的歌剧《图兰多卡》(也称"图兰朵")体现得更为充分。
普契尼的歌剧《图兰多卡》就对中国的服饰文化作了一次彻底的想象，当然，这种想象是与剧情本身相叠合的。剧中主角图兰多卡是中国古代传说中的一位公主，她高傲而残酷。在剧中，她身着在中国各朝皇室不可能出现的月色多褶长裙(普契尼从未到过中国，他把从马可·波罗游记中所读到的中国与幻想中的中国形象融汇进他的创作，甚至还有"水神"出现)。当图兰多卜戴着普契尼想象中巍峨高耸的皇冠--月白色水晶玉片缀成的皇冠，出现在一片同样冷冷的月白色背景中，她的高贵、美艳与冷酷扑面而来;剧中三个丑角大臣"乒"、"乓"、"嘭"(中国太庙版亦称"平"、"庞"、"彭")则穿着类似和服的暗红、宝蓝、紫色朝服。为了突出滑稽可笑，他们的官帽很小，帽上的圆角幞却很大。当他们手拿来檀香扇，在中国乐曲《茉莉花》中若隐若现，浓浓的中国气息间杂着美丽的异国情调自舞台弥漫开来，使观众在他们滑稽可笑的形象引导下轻松愉快地融入剧情。在这个歌剧中，普契尼及他的服装设计师们成功地运用了中国古代服装进行再创造，准确塑造了剧中人物的性格，亦反映了普契尼理想中的"图兰多卡"形象。他将远古时代的传说与当今人们的审美情趣及自己的审美理想相结合，创立了自己的风格。剧中服饰虽没有严谨地遵循考据，但正是在这种创造性活动中，真与幻找到了一个很好的契合点，使用的服饰与人物相吻合，令情境生辉。其效果好比剧中背景音乐《茉莉花》，在意大利舞台上获得了一次全新的生命，唤起了观众审美的*。
《图兰多卡》在1998年9月中国太庙版本中的服饰虽然很"中国化"，但设计师采用的表现形式依然是浪漫主义的。因为此剧表现的是一个"传说"，并无史料可查，排演成为一种纯粹的艺术创作，这给全剧的布景、服装带来了极大的想象空间与自由。它是唯美的，可以称之为"梦的宣述"(德国戏剧家沙克语)，但却走入了观众的心灵。
象征主义
在另一些题材的戏剧中，服装设计师的首要任务是以象征主义手法去表现人物性格、社会典型或精神状态，这使我们想到雨果的诗:"穿上纯织的精神与白麻"。象征主义作为一个流派，首先起源于诗歌领域。1886年法国作家莫雷亚斯在《费加罗报》上发表了一篇文学宣言，将波德莱尔、马拉美一派的诗歌视为象征主义。由于文学和艺术的血脉相承(比如，戏剧很多取材于史诗或诗歌体裁的文学作品)，这一流派很快从诗歌接近戏剧，也很自然地影响到戏剧中的布景和服装。象征、暗示、隐喻等手段，表现各种观念。象征是形象与意义的高度统一，以联想的方式找到象征之意的象征载体从而表达最为普遍的意义，追求内心"最高的真实"。
服装的象征主义手法表现为直接和间接两种形式。柴科夫斯基歌剧《女靴鞋》中扮演魔鬼的男中音的一身黑衣，中国传统戏曲中生、旦、净、末、丑的行头等，都是采用直接象征。现代艺术中，直接象征手法的运用仍在继续和发展--20世纪90年代末，32岁的时装设计师弗莱德·萨特尔构思并完成了戛纳举行的法国优秀歌咏大赛作品音乐剧《巴黎圣母院》的所有服装制作。弗莱德说:"创作戏剧人物的服饰必须穿透人物的表面，理解他们的内心。"他在此剧的服装设计中大胆、创意地采用了象征主义手法，成功挑战了几百年的戏剧传统，出色地完成了女主角艾斯米拉达和其他120个人物的所有服饰。她为艾斯米拉达设计了象征厄运的绿色长裙，她说:"艾斯米拉达是草木'做'成的吉卜赛女郎，具有放荡不羁的精神，她是一片随阳光和风摇曳不定的叶子，她常穿的长裙只能是绿色的"。读过雨果的原著，便能更好地理解这个构思。艾斯米拉达，一个有着吉卜赛人血液的女郎，四处流浪，飘忽不定，却美丽、青春、善良，以绿叶为意象象征她诗意的飘忽及脆弱，最终不能逃脱被伪善、贪婪、虚情假意所吞噬的厄运。剧中另一个重要角色敲钟人卡西莫多，虽然外貌丑陋无比，内心却天使般澄清善良，而且在圣母院与世隔绝的生活中饱读藏书(这就是智慧)，这使弗莱德想起了佛教徒。因此，其服装选用了令了联想起中国*喇嘛的波尔多酒红色，一件打满补丁的长条纹袍子。这种补丁出现在全剧所有的服饰中，它是弗莱德的标记，象征着升华了伤痕。
弗莱德的设计思路正是以联想的方式找到了象征之意的象征载体从而达到"形象与意义的高度统一"。弗莱德的设计，堪称象征主义手法运用的优秀典范。
间接象征，则是指以服装作为载体，隐喻角色的情绪变化，剧情的起伏和发展。运用间接象征手法较突出的是20世纪70年代末在中国上映，据英国戏剧家劳伦斯·奥立弗戏剧《哈姆莱特》拍成的电影《王子复仇记》中"奥菲莉娅之死"一幕。在剧中美与死神的冲突，使悲剧到达了*。在这幕戏中，"花"作为服饰超出了着装的意义，成为剧情的引导者-"美"被死神夺去了，成为一种悲剧形象，它深化了剧情，牵动了观众情感的瞬间体验。
服装简介
塑造角色外部形象的艺术手段之一。用以体现角色的身份、年龄、性格、民族和职业特点，并显示剧中特定的时代、生活习俗和规定情境等。在中国戏曲中习称"行头"。
热心网友
时间：2022-06-28 19:48
皇帽
──戏曲盔帽。也叫“王帽”或“堂帽”。为剧中皇帝专用之礼帽。帽形微圆，前低后高，金底，上铸金龙，缀*绒球，后有朝天翅一对，左右各挂*大穗。
纱帽
──戏曲盔帽。帽形微圆，前低后高，纯黑色。两旁插方翅者，为生角扮演的忠正文官所戴。如《群英会》中的鲁肃；插尖翅者为净角扮演的奸邪者所戴。如《四进士》中的顾读；插圆翅者为丑角扮演的文官所戴。
蟒
──戏曲服装。圆领、大襟、大袖、长及足，满身纹绣：上为云龙，下为海水，为传统戏曲中帝王将相的公服。又有男蟒、女蟒之分。女蟒较短，绣龙凤，为后妃、贵族妇女所穿。
一般说来，皇帝穿*蟒袍；臣僚所穿，以红蟒为贵重；性格粗豪者服黑蟒、蓝蟒；年轻俊雅者服白蟒、粉色蟒；年长者服古铜色或香色蟒。无论穿男蟒、女蟒，都要腰围玉带。
官衣
──戏曲服装。传统戏曲中的文官服，样式与蟒同，圆领大襟，无满身纹绣，只在胸前和后心有方形补子各一块，上绣仙鹤等飞禽，颜色有紫、红、蓝、黑等。依官阶大小分别，宰相、国老等着紫色，巡按、府道等着红色，知县等着蓝色，黑色则为驿丞门官穿用，又称素服。女官衣较男官衣稍短，颜色有红、秋香色2种。红官衣为一品夫人穿用，也作为传统的结婚礼服。
箭衣
──戏曲服装。圆领、大襟、马蹄袖或敞袖，前后开衩齐腰，长及足。原为清代官服，用于戏曲舞台则上自皇帝、高级将领，下至一般武士，绿林人物皆可穿用。分龙箭（上绣龙纹、下绣海水）、花箭（上绣团花）、素箭。龙箭为皇帝及高级将领穿用；花箭为一般武将穿用；素箭有黑、蓝等色，为公差、老军穿用。
靠
──戏曲服装。又称“甲”。传统戏中武将的装束。圆领、紧袖、长及足，分前后两片，上下及两肩绣鳞纹或丁字纹，中部靠肚略阔，硬里、凸起，绣虎头纹或龙纹，背间有一虎头形的背虎壳，上可插四面三角形靠旗，腿部有两块护腿，为靠牌。靠有软、硬两种，软靠不用靠旗。依剧中人物的性格、身份、年龄和脸谱区分靠的颜色。女靠自腰及足缀有彩色飘带数十根，胸前加护心镜。
翎子
──传统戏曲中剧中人物所戴盔帽上的饰物，即雉尾。成对插于盔头两侧，可增加美观，演员用以表演各种优美的舞蹈动作，表现人物的思想感情。用于传统戏中番王、番将、山大王、妖精等。有些英武的青年将领，如吕布、周瑜等也戴。
盔头
──传统戏曲中剧中人物所戴各种冠帽的通称。大体分为冠、盔、巾、帽四类。冠为帝王、贵族的礼帽；盔，为武职人员所戴；巾，多为软质，属于便服；帽类比较复杂，自皇帽至草帽，名目繁多。与盔头配合戴用的还有许多附件，如驸马翅、翎子、狐尾等。盔头按人物身份、性别、年龄等的不同而分别使用。
靴
──传统戏曲常用的高帮或长帮的鞋。种类繁多，有高方、朝方、快靴、虎头靴等。高方即厚底靴，高腰，方头，底厚二、三寸，黑缎面，白底，为生、净角色穿蟒、官衣、靠等作庄重威严打扮穿用。朝方底稍薄，一般为丑扮*、文人穿用。快靴半高腰，薄底。虎头靴前端饰有虎头纹，多为武生穿用，便于开打。
罪衣罪裙
──一种戏曲服装。也叫罪衣裤。立领、对襟、普通袖，红色，布质，为传统戏曲中的罪犯专用服装。
戏剧服饰，在戏剧这门综合艺术中占有重要地位。它辉煌灿烂、绚丽多采，具有极强的观赏性和艺术感染力。人们在欣赏戏剧优美的唱腔、富于音乐性的念白和精彩的舞蹈艺术时，无不为珠光闪闪、丝帛纷呈，令满堂生辉的戏剧服饰所吸引，沉醉在它给人的审美愉悦之中。
戏剧服饰以明代服装为基础，有汉、唐、宋代服装的痕迹，吸收清代服装造型和图案。戏剧服饰具有高度的概括性，它不受时间、朝代、季节的*，在展示中国数千年历史故事的数以千计的剧目中游刃有余。戏剧服装还特别服务于戏剧的舞蹈性。戏剧表演是唱、念、做、打、舞、翻综合在一起在表演艺术，其中除去唱、念外，做、打、舞、翻无一不与舞蹈密切相关。舞蹈在戏剧结构中占有十分重要的位置，戏剧服装也成为演员运用舞蹈塑造人物形象的辅助工具。由此，戏剧服装还有许多独特的创造，比如水袖、靠旗、飘带等，让人们欣赏到“长袖善舞”的意境。一个优秀的戏剧演员，还必须掌握控制、运用服装的技巧，这也具有很高的难度。
毫无夸张，每件戏剧服饰都是一件夺目的艺术品，它绚丽的色彩，夸张辉煌的图案，常常给人以强烈的冲击力，让我们感叹我们的先人对于色彩与绘画美学原理的理解。比如，黑色在中国古代称“玄色”，象征对天的尊敬，在中华民族审美意识中代表庄重气派，多用在刚直豪放性格的人物身上；白色具有圣洁俊秀、潇洒儒雅的感觉，所以用于俊逸倜傥的角色。而使用红和绿的强烈对比，把脸谱和服饰用于一身，表现忠正、刚义之气，把刚柔相济的人物刻划得更为鲜明。
服装的图案更为讲究。尤其是龙凤图案，寄托着中华民族的信仰，蕴含着人民的智慧，那眩目的红、黄团龙，戏珠行龙，吐水大龙的巧妙运用，衬托出人物的力量与威仪，使人物形象生色增辉。
戏剧服装还显示了中国刺绣的魅力，它以光彩夺目的平金绣、平银绣，富丽堂皇的金绒绣和清雅秀丽的绒绣，构成了高工艺的美感。每一件戏剧服装都是精工细做，真才实料的艺术品，需要技术工人手工制作，完成一件复杂的蟒袍常常历月经年，一套完美的剧装可以价值连城。
戏剧服饰，又名戏衣，俗称行头。是指戏剧舞台上演员所穿戴的服装、鞋帽的统称。如蟒、靠、官衣、褶子、裙、盔帽、鞋靴等，分类放置管理。大衣箱置放文职身份的角色所穿服装，如蟒、官衣、帔、褶子等，设专职管理人员，负责为演员穿着各种服装；二衣箱置放武职身份的角色所穿服装，如靠、箭衣、抱衣、夸衣等，设专职管理人员，负责为演员穿扎各种服装；三衣箱置放水衣、胖袄、彩裤等，鞋靴一般放在三衣箱，也有另设一
箱。盔帽箱专置盔、冠、巾、帽。均设专人管理。演员化妆后，服装穿着有规定顺序，首先到三衣箱穿内衣，戴护领，穿鞋靴，随后按各自所扮演的角色到大衣箱或二衣箱穿衣，最后到盔帽箱戴盔头。
以后的文章里，将选取戏剧服饰中最有代表性的作品，简要介绍戏剧服饰的种类、用途和主要艺术特色。
