有多少人不喜欢好莱坞电影?

发布网友发布时间：2022-04-25 21:27

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热心网友时间：2022-05-03 04:20

80年代以来，在我国电影艺术的发展中，

由于长镜头风格的引入、宽银幕的发展（包括遮幅银幕），

以及电视艺术的发展，

电影的剪辑受到明显的冲击。

尽管在创作上剪辑的手段似乎越来越丰富多样了，

但是与此同时，有些概念也变得混乱起来了。

比如说，

蒙太奇与长镜头被认为是互不相容的对立物，

甚至有人由于根本没有搞清电影是什么，

竟认为长镜头理论的引入

干扰了中国故事电影的创作；

也有人认为蒙太奇与长镜头

仅仅是殊途同归的问题。

另外有些人把“蒙太奇”与“长镜头”，

仅仅归结为“时空交错”手法与长镜头手法的清单，

缺乏科学的系统研究。

从相对时空关系的角度来看，

在对当代电影剪辑做进一步的深入研究时，

大概首先需要放弃一些旧概念。

蒙太奇是电影早期发展阶段（即默片时期）的概念，

它代表了那个时期对电影时空关系的认识

——当然是有局限的认识。

尤其是“蒙太奇”一词对我们来说是外来语汇，

每当论述“蒙太奇”时，必先说文解字一番。

电影发展至今八十余年，

对电影的时空关系有了更进一步的认识后，

“蒙太奇”已不足以概括全部的电影时空关系，

什么狭义的和广义的蒙太奇、

苏联的蒙太奇、

爱森斯坦的蒙太奇、

普多夫金的蒙太奇、

好莱坞的快速蒙太奇等等，

不一而足，越解释越乱。

估计在我们的各种电影辞书的编纂工作，

也会遇到对蒙太奇概念的不同理解。

这充分说明存在的问题。

另外，长镜头虽然是一个较新的概念，

但是对它的理解也各有不同。

有人仅从镜头尺数的长短来理解，

有人从段落来理解，

有人则从暖昧性来加以反对。

至于剪辑（或称蒙太奇）究竟是导演还是剪辑师的职责，

也是各执一词。

好莱坞的“零度剪辑风格”

好莱坞的叙事模式采用的是镜头与镜头之间的时空关系，

但局限于创造一时空连贯的幻觉，

也就是赋予虚构以真实时空的幻觉,

好莱坞把分镜头称做Continuity（连贯性），

就十分说明问题。既然要造成真实时空的幻觉,

创作者必须把自己隐藏起来，

不让观众感到创作者的存在。

因此，从本世纪的十年代起，

好莱坞就开始逐渐形成一种没有风格的风格。

除中国以外,

全世界都把好莱坞的

这种叙事方式称做“零度的风格”。

美国电影理论家杰拉德·马斯特

在他的《电影简史》一书中写道：

“风格的刻板公式像情节构成的刻板公式一样拘谨。

在那十年中，尽管有数百名不同的好莱坞导演，

但是好莱坞影片,除了极少几个例外,

看起来都惊人的相似。

制片厂制度对于消除风格差别、

模糊主题和故事差别的做法同样是一贯的……

任何导演追求个人风格的冲动，

在开拍以前就被制片厂的照明、

美工设计摄影法和剪辑的总*所压制下去了。”

为了让大家明确几个专业术语，我现在用几张图来表示，方便理解：

（1）轴线

又称关系线、运动线或180度线，

是基于被摄对象的视线方向、

运动方向或被摄对象之间的交流关系

而构建的一条虚拟的假想直线，

它直接影响着镜头的调度。

如图，A在左，B在右，

AB连接起来就构成一条虚拟的轴线。

（2）轴线原则

在拍摄过程中，

为了保证场景空间的统一感

及被摄对象在场景中的位置关系

和运动方向的一致性，

摄像机必须被安置在轴线的一侧180度之内进行拍摄，

这就是摄像师处理镜头调度必须遵循的“轴线原则”。

如图，无论是正反打还是双人镜头，

摄像机始终处于轴线的一侧。

（3）越轴

指摄像机越过轴线，到另一侧进行拍摄。

“越轴”会造成被摄对象位置、

视向及空间关系的混乱和错位，

产生表达上的歧义，

令人产生误解，因而，越轴前、后拍摄的画面不能相接。

轴线是好莱坞的发明和创造，

中国电影沿袭了轴线原则，

而日本、法国、意大利等国不遵循该模式。

《东京物语》：

经典剪辑方式

（1）交叉剪辑

又称交叉蒙太奇，

指把同一时间、

不同空间发生的两条

或多条情节线

进行迅速而频繁的交叉剪辑。

易引起悬念，

营造紧张激烈的气氛和强烈的节奏感，

加强矛盾冲突的尖锐性，

达到惊险的戏剧效果。

常用于惊险片、

恐怖片和战争片中描写追逐和惊险的场面。

强调事件发生的同时性。

例如《纵横四海》用交叉剪辑和平行剪辑的方式

描写三名青梅竹马的神偷在巴黎盗取名画的过程，

节奏紧凑、连贯。

（2）平行剪辑

不太强调事件发生的同时性，

而强调情节间的内在联系。

（3）段落剪辑

指用连续的、有相似内容和性质的画面

以比较平均的频率进行剪辑。

段落剪辑要围绕某个中心意思来组织镜头，

类似于作文中的排比句，

类似于美学上的“积累蒙太奇”。

常用于连接较大的情节单元，

可强调重要事实或细节。

在《喜宴》中，

伟同（*者）得知其父母要来美国看望他，

为防止父母发现蛛丝马迹，

与其*男友

及受父母之命被安排来与伟同相亲的女友

一起收拾房间。

该段落节奏紧凑、逻辑分明，

清楚地讲述了一个相对完整的叙事单元。

风格化剪辑

除此之外，在法国“新浪潮电影”的引导下，

非连贯剪辑这一风格化的剪辑方式出现。

1959，法国导演弗朗索瓦·特吕弗的影片《四百下》

是法国电影新浪潮运动的领军之作，

它打破了好莱坞的经典剪辑原则，

不再追求剪辑的连续性及时空的统一性，

而是反对连贯剪辑，

使用了一些个性化的、

打破时空连续性和统一性的

反常规剪辑手法——非连贯剪辑。

跳跃剪辑，又称“跳接”，

指两个镜头内的主体相同，

但摄影机的拍摄角度和距离却差别不大，

当两个镜头前后衔接时，

画面便会产生明显的视觉跳跃感。

这种视觉上的跳跃会打破电影的连贯性，

但能有效地压缩上下镜头的时间，

强调某个动作的结果，

营造出人意料的效果。

连贯剪辑追求的是建立“故事是真实的”这样的幻觉，

而跳接却要破坏“故事是真实的”幻觉，

让观众保持和电影叙事的距离感。

《邦妮和克莱德》镜头分析

在这一总体三幕式结构中的内部结构的核心就是全世界所熟知的180°。

轴线和常人视线的三镜头法：

主镜头（或称双人镜头、正拍的特写与反拍）。

美国电影理论家简称之为S/RS（Shot/reverse Shot）。

这里再一次借用美国电影理论家维德和莱里斯在

《电影:形式与功能》一书中对三镜头法所做的阐释：

这一体系根据观众和被摄体的外观距离,

把所有的镜头分为三大类:远景、中景或近景。

专业解释，方便大家理解：

“三镜头法”：是好莱坞电影的经典剪辑模式和叙事核心，

它的电影整体及每一个段落，都遵循该模式。

①双人镜头

演员A和B的全景，可交代A、B之间的空间位置关系

②正打镜头（正拍）

正打A说话，A呈现为正面，B呈现为背面

③反打镜头（反拍）

反打B说话，A呈现为背面，B呈现为正面

无论是双人镜头，还是正反打镜头，

男始终在左、女始终在右，

摄像机一直在轴线的一侧活动，

从而保证场景中人物空间关系的一致性。

“主镜头”：

为了向观众清楚地展示故事发生的地点和空间环境，

往往要在前面再添加一个“主镜头”。

这其中则涉及到三角形法则的机位布置，以《美国丽人》为例：

1、内反拍技巧

2、外反拍技巧

60年代末，随着美国电影观众欣赏水平的提高，

尤其是受到欧洲电影的影响，

甚至在好莱坞有一些青年创作者

也徒然地试图摆脱传统的三镜头叙事核心。

阿瑟·播恩的《邦妮和克莱德》(1967)就是比较典型的例子。

我们不妨分析一下,

这部影片的开端和结尾是怎样来运用镜头的。

故事是30年代关于强盗邦妮和克莱德的一个真实事件。

这个故事已搬上银幕多次。

潘恩再次把这个故事搬上银幕，

主要是表现邦妮和克莱德之间的感情关系。

他的做法是，

把好莱坞三镜法中的主镜头(双人镜头)，

抽出来另做别用，

双人镜头成为两人感情关系的核心。

他在影片开始的五分十四秒内，

首先确立了这样的镜头关系。

1.2.3.4—邦妮在室内的一组流畅的匹配动作(12”、8”、23”、10”，共53”)。

5.外景，俯角，克莱德想偷车。

6.内景，邦妮向窗口走去。

7.外景，仰角，中景，匹配动作，邦妮出现在窗口，向下看。

8.邦妮近景。

9.俯角，克莱德探进车窗里。

10.邦俯朝他说话。

11.外景，仰角，远景，汽车和克莱德在前景,邦妮在背景二楼窗口。

12.克莱德缩回身来。

13.中景，匹配动作，克莱德转过身来,朝前走几步，向上看。

14.同11。

15.克莱德近景，说话。

16.邦妮中景。

17.克莱德近景。

18.邦妮近景，说话，转头消失在窗后。

19.克莱德近景。

20.内景，邦妮从右前入画，奔到背景穿衣。回身从左出画。

21.楼梯，仰角，邦妮关门，冲下楼梯。

22.门外，邦妮出门。

23.克莱德全景。

24.邦妮半身景，向前走来。说话。

25.克莱德近景。说话。

26.邦妮向前走来。

27.克莱德近景。

28.邦妮半身景。

29.克莱德近景。

30.邦妮正面走来。

〔镜头5一30,共计1’01”〕

下面开始一组双人镜头：

31.邦妮的过肩镜头，克莱德向前走。

32.过肩反拍镜头，邦妮向左走,出画。

33.两人边走边谈，全景，59”o

34.两人边走边谈，全景。

35.两人边走边谈，全景。

36.两人边走边谈，全景。

37.双人镜头，中景。

38.双人镜头，中景。

39.邦妮先入画，克莱德从右入画，中景。

40.双人镜头，克莱德从右出画，中景。

〔31一40，共计2’01”〕

41.克莱德喝汽水的特写。

42.穿过克的手弯拍邦的特写。

43-45.17秒均为捎带一方小局部的正反拍。

46.邦的特写。

47-49.15秒均为捎带一方小局部的正反拍

50.邦的特写。

51.*的近景。

52.邦的特写。

53.克的近景。

54.过肩双人镜头。

55.*的近景，邦的手入画，**筒。

56.克的近景。

57.邦的特写。

58-59.13秒双人镜头

60.邦和克在大远景中。

在这开端的59个镜头中，

占时间最长的一组31一40，

共十个连续的双人镜头，

尤其是那个具有法国镜头风格的第32号镜头长达59”，

时数占这59个镜头的五分之一。

凡是有双人的镜头合计的时数为2’50”。

这样，导演从视觉上以占优势的双人镜头

确立了该片的镜头风格，

在整个影片中，

这两个主人公大多出现在双人镜头中。

这样，观众从视觉上就感到了两人的亲密关系。

而在影片的结尾，当两人中埋伏死去时，

导演使用了邦妮和克莱德之间的快速的单人正反拍镜头，

把他们永远分离了。我们再做一次分析。

从克莱德最后一次离开双人镜头，

单独出现在一个镜头中时算起，

至全片结束，共计65个镜头，123"。

平均每个镜头1.89"(开端的59个镜头平均5.3")。

在这一节奏曲线中，

处于*的最短镜头仅4个画格，1/10秒，

而最后三个镜头却占去15”，

因此正反拍的切换节奏十分强烈。

这里的正反拍

是用来表示死把这对情人永远分开了。

这几个段落的镜头运用

可以说是具有创造性的电影语言。

视听因素与《唐人街》

视听节奏对于剪辑师来说十分重要，

美国影片《唐人街》的剧本就考虑到视听节奏因素。

这里试从这些节奏因素来分析剧本的前64个镜头(阿拉伯数字为镜头编号)。

l一6昼内景明亮宽敞的办公室。主人公身着白色服装。人物坐着。

7一8昼内景接待室，光线较暗，人物走动。

9—11昼内景助手办公室，百叶窗拉下来，阴影多于光，有一个身着黑服黑帽的神秘女人。

12晨外景市政厅外喷水池，人物走动。

13一19昼内景市政厅高大的会议厅，声音混响很强，发言用麦克风。

20—21昼外景灰色水泥桥。

22一29昼外景*的干河床。驶来一辆黑轿车。穿黑衣的男子下车。

30一32黄昏外景公园，路灯渐明。

33黄昏车内从车内拍外面的景。

34—35黄昏外景褐色的海岸石礁。海浪声，海鸟声。摄影机上摇，变成一片蓝色的海。

36—39夜外景深褐色的岩石与海滩，突然传来排水声，白花花的水花占满了画面。

40夜外景有街灯的街景，餐馆音乐声。

41夜从车内转为街道。

42一44昼内景助手办公室。人物与画外暗室里的人对话。隔壁传来打字声，楼外传来汽车声。

45一46同上电话铃。

47一48昼外景绿荫密布的湖面。划船。

49—51昼外景从红屋顶俯视浓荫下的花园。人物活动。瓦块跌落声。

52昼内景白色报纸占满画面。

53—56昼内景明亮大玻璃橱窗的理发室，室内灯光明亮，白为主。画外人声。室外卡车声。

57—59昼内景助手办公室，光线较暗。

60—61昼内景办公室，光线较前一场景亮。

62昼内景昏暗的大厅，人物活动，混响较强。

63—65昼内景光线较暗的办公室，棕褐色的围墙板，陈设拥挤，声音发闷。

66—68昼内景更小一些的办公室，光线暗。

69昼内景小接待室，光线更暗。

70—72昼外景绿荫，蜿蜒的山路，汽车行驶。

73—74昼外景花园、阳光。

75—76昼内景室内，带神秘色彩的昏暗的光线。

77—81昼外景绿草坪，白房子。人物活动。

82—83昼外景深*山路。汽车行驶。

84—86昼外景水库白灰色水泥建筑,转湖面。

87昼外景着黑色服的死尸拉出水面。

88昼内景法医办公室，亮着灯。人物活动。

89—92昼内景走廊，人物活动频繁,混响强。

93昼内景大楼门厅，明亮，背景为街道。

94昼外景楼外停车场。对话。

95昼内景法医办公室走廊。

96一98昼内景陈尸间，灯光暗，混响强。

99昼外景灰白色大桥。静。

100一101昼外景黄土河岸。

102黄昏外景暗色河岸。

103一107夜外景山路。行驶汽车灯光束。

108夜外景水库栅栏门前，车灯熄。

109夜外景一盏孤灯。一声*响，又一声*响。

110夜外景洪水冲下山。

111一114夜外景水库门前，一盏孤灯下。

115一118昼内景办公室，静，电话铃。

119一126昼内景暗红色的餐厅内，对话声发闷。对话。

127昼外景餐厅外停车场，对话。

在这127个镜头中，

空间大小不一的房间有十六间，

这不仅为光线变化提供了条件，

而且由于是同期录音，

混响声变化十分丰富，

一场对话经常不在一个空间完成。

这样，剪辑师就获得了更多的构成节奏的材料。

节奏蒙太奇或“华采乐段”

节奏蒙太奇并非意味着电影节奏结构的全部，

而是指纯节奏性的段落。

节奏蒙太奇所利用的是一种紧迫的、诱导性的节奏，

亦即充满着脉动似的动作段落，

把这一流程以不可遏制的动势推向前进。

因此，一般情况下，

每个镜头里的动作都是不完成的，

即没有起止只有动作性最强的中段的动作。

节奏蒙太奇不容有瞬间的停顿。

但它也可以用一个个静态的视觉画面，

这时，诱导性的节奏就落在声音上，

自然音响和人声都可以，

而节奏强烈的音乐则更容易承担这一任务。

这样的段落由于节奏的设计十分精彩，

而且在叙事性影片中，

情节在这里大多暂时搁置起来，

主要是发挥创作者的光辉技巧，

大多属于“观赏性的”、“看了过瘾的”段落，

其主导动机是通过整个段落体现出来的，

故往往借用音乐的“华彩乐段”。

节奏蒙太奇在无声电影时期的叙事性影片，

以及实验性影片中使用较多。

如《战舰波将金号》中的敖德萨阶梯段落，

普多夫金的《母亲》中工人示威*的段落，均属此列。

在有声片中，由于对话较多，

而对话的节奏较松散，

很难运用实际的1/24秒画格的优势。

因此，使用的机会大大减少。

并不是每部影片都有可能使用它。

它经常用于两种势力强烈冲击的“理性蒙太奇”的段落。

它还有一种十分实用的功能。

好莱坞影片都是定型的类型情节剧，

外加它的明星制度使明星始终扮演完全定型的角色。

因此，观众往往凭类型和明星就能判断结局。

在这种情况下，好莱坞影片在结尾,

总要来一段动作性极强的“华彩乐段”。

它不担心观众预知结局，

而是依靠这具有强烈诱导性的段落，

让观众“看得过瘾”，“大饱眼福”。

例如，在1980年美国电影周展出的

《黑驹》和《原野奇侠》均属此列。

文章摘自360DOC

热心网友时间：2022-05-03 05:38

现如今电影行业如此发达，各类电影层穷不出。无论是正规还是网络盛起都有一批忠实拥护者。然而纵观以往的院线的记录无疑都是国外的经典大片。每部从国外引进来的影片在中国上映票房都是可观的，实话说外国的电影真的有我们中国所学习的地方。而外片引进中国的影片叫好率无非就是系列片。今天小编就来说说歪过仁的犀利影片。（排名不分先后）

NO1、《007系列》共22部（想了解更多继续关注）却有5任詹姆斯邦德，小说原作者是英国作家、前MI6特工伊恩·弗莱明。在故事里，邦德是英国情报机构军情六处的间谍，代号007，被授予可以除去任何妨碍行动的人的权力。此外，詹姆斯·邦德总是有美女相伴，那些女士被称为“邦女郎”。

NO2、《第一滴血》共4部，史泰龙贯穿全部《第一滴血》虽然有着动作片惯以的场面和紧凑的剧情，但却决然不会让人热血沸腾，一股挥之难去的悲*彩成为了电影贯穿始终的基色，而透过最后那些对白，对战争尤为深刻的反思，对那些退伍军人种种行为的解析铸就了电影真正的经典所在。

NO3、《速度与*》共8部，不得不佩服电影艺术的神奇，往往有一种化腐朽为神奇的功效，从一粒种子到参天大树，可以见证奇迹的发生。“速激”系列就是这样的一个奇迹，它从当初第一部的起，本是一个非常不起眼的苗子，还曾经长歪过，结果还是在扭正之后长成了枝繁叶茂的一支奇葩，并且成为环球影业的最亮的招牌系列。难忘的是速度与*，不舍的是兄弟与家人。

NO4、《异形》共4部，如果你走在一条美国的大街上，随意问一个美国男子最喜欢的电影是什么，他可能脱口而出：异形。对，不用惊讶，不是教父，不是94年三杰，就是异形,外星异形是一种带有极强侵略性的生物，它们的成长甚至类似于昆虫，由卵开始发育，潜入人体后作茧，寄生在人的身体中快速发育成熟，繁殖。如同自然界中动植物的保护本能一样，这种外星生物进化出一套极有效的身体功能，在卵形期休眠，一旦找到寄生物就死死不放，直至侵入寄主，夺取他的营养，在里面长成后杀死寄主存活。

NO5、《星际迷航》共11部，可能是没有经历过大航海时代，亚洲国家的文化可能很难真正体会Star Trek中探索宇宙未知的那种激动和乐趣。也许是人们很大程度上将宇宙探索看作是冷战的副产物，随着铁幕倒下的不仅仅是一个伟大的国家，几个雄心勃勃的宇宙计划，还有大众文化对太空的向往。

NO6、《生化危机》共5部，第一部一直到最后一部，每一部中爱丽丝都会与一些怪物搏斗，都会遭遇一些险境，一路拼搏，一路打杀，本以为逃出一个险境会迎来光明的未来，然而事实却是，世界上根本没有所谓的避难所，每一个所谓的避难所不过是另一个沦陷区。

当然还有许多系列电影：《木乃伊》系列、《大白鲨》系列、《地狱男爵》系列、《哈利波特》系列、《死神来了》系列等等

提起成熟完善的电影产业，人们的第一反应该都是美国，好莱坞。放眼世界，似乎只有美国有能力产生这种体量级的电影工业，高度类型化，动作片、特技片的技术支撑以及全球发行的能力。中国也有经典影片在国外上映但票房不高，难道只是科技、场面问题，最主要的还是同一部电影里去平衡不同文化差异所带来的理解偏差。而好莱坞却做到了这一点，他们是以全球市场为目的的。

热心网友时间：2022-05-03 07:13

今年3月好莱坞编剧加里·戈德曼状告2016年收获全球票房10亿美金的迪士尼动画片《疯狂动物城》*，其中部分主要角色设定与2009年初他提交给迪士尼影业《动物城》电影创意计划相同，本月26日将进行听证会，今天加里·戈德曼放出《疯狂动物城》*他本人创意以及角色设计的对比图↓

迪士尼影业对此事谈之色变，倘若属实，不仅有损百年厂牌的业界名誉，更会付出相当可观的赔偿金额。

回观国内的电视剧编剧们版权意识薄弱，频频抄袭，例如于正编剧的《宫锁连城》抄袭琼瑶的《梅花烙》，李亚玲编剧的《龙珠传奇》*《怀玉公主》，为了避免此类情况继续发生，影视制作公司会购买热门小说影视改编权去拍摄小说的电影版或者电视剧版，一是节约原创剧情的时间，二是可以获取原著小说自身带来的读者关注红利。例如《大秦帝国》、《人民的名义》等。实景拍摄加上演技派演员以及逻辑通畅的原著小说，观众乐见其成。

今年上半年由小说改编的热播古装剧《孤芳不自赏》以及本月初开播的《楚乔传》，则使用了目前最新颖的粗制滥造拍摄方式：抠图与抄袭。

先来看一下钟汉良与杨颖主演的电视剧《孤芳不自赏》，开拍时已怀孕的杨颖片酬为8000万人民币，什么概念？最近热映的电影《神奇女侠》中女主演盖尔·加朵的片酬为200万人民币（30万美金），拍摄时怀孕5个月，打戏亲自上阵。

电视剧《孤芳不自赏》总成本超过1亿，人气演员和高额投资的双重保障，成片效果应该非常的精致，可观性很强，可惜事实是这样↓

《孤芳不自赏》中多次出现类似于photoshop抠像的人物边缘，两位主演大部分片段只有近镜头和特写，《孤芳不自赏》在拍摄时，主演在摄影棚内的表演时间较多，拍摄完毕后由后期制作人员将演员抠图到实际建筑景观或者群众演员人群中，造就了“特效”国产古装偶像电视剧。后期制作人员盒饭必须加鸡腿，拿了千万片酬的女主演不知道良心会不会痛，粗制滥造的剧情简直辣眼睛。

说到影视中的电脑特效，是由演员在绿幕中进行表演与动态捕捉，后期制作时采用影视特效进行现实中不存在的虚构场景处理，正确的打开方式是这样的↓

特效技术的存在使虚无的场景成为屏幕上的视觉享受，在中国变成了电视剧演员和制作公司用来偷工减料的新方法。

再来看一下本月初热播的古装偶像剧《楚乔传》，主要讲述一个叫做楚乔的女性勇于抗争封建奴隶制王朝，以不屈的意志书写传奇人生，和之前所有国产古装电视剧立意不同，更注重于女性视角。

惊不惊喜？意不意外？眼不眼熟？

电视剧《孤芳不自赏》里炉火纯青的抠图拍摄方法又出现在《楚乔传》中，又一部热衷于使用抠图*的古装剧。

《楚乔传》不满足于抠图*，第一集里又“借用”暮光之城的战斗场面↓

电视剧《楚乔传》的问题不止这些，它连台词都是抄袭的！

比如这句体现楚乔性格坚强不畏艰险的台词是抄袭自作家江南的小说《九州·缥缈录》↓

大批量的台词与《九州·缥缈录》中的语句相同，电视剧制作公司明知《楚乔传》的原著小说角色、剧情、语句全部是抄袭，依然照拍不误，连台词都一字未改照搬到屏幕上，不知道谁给他们的勇气？

对于抄袭质疑，电视剧制作公司和小说作者的态度是不承认↓

可能是国内影视行业不成文的规定，在电视剧《楚乔传》开播之前，抄袭其他小说又成功卖出影视改编权的作者们以及电视剧制作方都没有接到律师函，例如被改编为电影和电视剧的《三生三世十里桃花》，被抄袭的作者们全都选择沉默。

在电视剧《楚乔传》开播之后，被抄袭的九州作者们不淡定了，先是写于2006年的奇幻小说《九州·斛珠夫人》作者萧如瑟发了律师函↓

再是写于2005年已经出售影视改编权的奇幻小说《九州·缥缈录》作者江南自嘲经常被抄袭↓

抠图+抄袭的电视剧可以在卫视频道的黄金档时间段播放，制作方、出品方明知抄袭却拍摄播放都不误，由此可见影视制作公司乐于掩耳盗铃，又试图以制作快速、成本低廉、效果差强人意的产品来荼毒观众精神世界。影视制作公司注重数量不注重品种和质量，为了吸引观众眼球不惜为高片酬风潮推波助澜，在此势头之下诞生了一批倚靠炒作获得知名度和高片酬又无实力的艺人，形成了国内影视行业恶劣的生态环境，唯一能够改变现状的则是掌握遥控机的观众，当观众拒绝观看剧情不连贯且粗制滥造的电视剧时，影视制作行业才会迎来真正意义上的改变，消弭敷衍式的拍摄方法。

热心网友时间：2022-05-03 09:04

《木乃伊》系列

作为四大文明古国之一的古埃及，拥有灿烂的文明和悠久的历史，这也为好莱坞影片提供了丰富的创作素材。《木乃伊》系列影片共有三部：《木乃伊1——神鬼传说》、《木乃伊2——木乃伊归来》、《木乃伊3——龙帝之墓》，如果你钟情与喜欢冒险寻宝片，那你肯定也会喜欢这部电影。如果你爱看画面特效，这部电影对你来说也是一个不错选择。冒险寻宝片和漫画英雄片一样，剧情都是硬伤。英雄片注定最后英雄会胜利，无论剧情多坎坷，但不用看电影，观众都能猜得到结局。寻宝片一样，男主角最后总能战胜一切寻得宝藏（虽然不一定带的出来），顺便还可能交到一个女友。

《简和失落的城市》

《简和失落的城市》讲述二战时期为了寻找一座非洲的宝藏--“失落的城市”，英国和纳粹德国分别派出了自己的寻宝小队前往寻觅。英国寻宝队在途中有幸结识了当地土生白人青年--美国人“丛林杰克”。在一番惊险戏噱的历险和争斗后，正义最终战胜了*。

《教父》

马龙白兰度将毕生演技在教父唐·科里昂这一角色发挥的淋漓尽致，我心中永远的No.1角色，他让我们见识了这才是黑手党，这才是黑帮，当然阿尔帕西诺在本片的表演也堪称伟大，塑造了一个从青涩走向成熟的新一代教父形象。《教父》绝对不仅仅是一部黑帮电影这么简单，它其中蕴含的哲理并不比《呼喊和细雨》或《乡愁》少多少。教父就是这样一部让你一旦接触就会着迷，就再也无法释怀，永远无法忘记的一部电影。

《指环王》系列

《指环王》系列是电影史上最伟大的魔幻史诗无论从情节设置，视觉效果，特技，还是演员表演，《指环王》都达到了一个前无古人的高度。

《夺宝奇兵》

这部电影可以说是本人最喜欢的一部好莱坞电影了。以前第一次看的时候还是从第十放映室这节目看到的片花。

热心网友时间：2022-05-03 11:12

中国年轻电影人敲开好莱坞电影之门(1/1张)

在创业公司林立的加州，科技公司占领湾区，电影公司死守洛杉矶，人们为虚拟现实(VR)技术是否能将影像体验带入一个新纪元而身心颤栗，电影人们乐此不疲的在极客社区里寻找新故事。在这里，怀揣梦想的电影创业公司是竹林，其中的有着中国血统的公司便是春笋，一夜春雨贵如油皆来自祖国春风吹来的那朵云。

记者独家采访到于今年年初刚刚成立的坐标洛杉矶的一家电影行业的初创公司——墨飞影视咨询的创始人，FionaLi,在讲述公司创业故事之余，我们特别询问了这个创业公司给自己的发展规划。

Fiona 和另一位创始人Eric相识于他与朋友共同创立的Asians On Film电影节，之后又都进入培养出最多奥斯卡获奖人、占领了好莱坞半壁江山的南加大电影学院就读制片人专业研究生。Fiona在制片人工作之余长于电影美术和导演，Eric则倾情摄像艺术，成为了一名年轻的摄像导演。发狠在两年之内读完三年的课程，同时没有放弃全职工作的Fiona在提前毕业时已经成为一名职业的制片人。“创立墨飞真的是一夜之间的念头，第二天我就联系了Eric，”快速进入创业者的状态让他们自己都有些惊讶，“其实心里一直都准备着这个想法吧，希望做自己的电影事业，为自己想做的电影积累一些资源和资本。”Fiona透露，目前公司已经在运作的项目有中美的电影投资、电视剧开发。最近的项目包括为好莱坞制片公司第九议程进行投资咨询的一部科幻片。

像Fiona 和Eric 一样，越来越多的中国电影人、电影学生来加州攻读电影艺术学位，一些向各大电影巨头投递简历希望敲开好莱坞的大门，另一些自己成立小工作室接片赚钱做独立电影，还有许多看准中国电影市场崛起的趋势希望在中美电影合拍、合作中找到立足之地。对于这第三条路，好莱坞的合作善意和中国内地涌动的电影热情都是真实可感的，但这并不足以让这个市场成为创业的蓝海，资本的倾轧、*的多变、票房的不确定性，一部成功的影视作品本身对天时、地利、人和的要求都可能让希望变成失望，兴致变为无奈。这也是为何众多中国公司选择稳妥起步、跟风操作、积累资本的原因。尤其是对创业公司来说，没有退路的放手一搏在好莱坞已经能够精确预测票房走向的时代显然是不是明智之举。